别了，巴比伦——林红油画艺术展暨学术研讨会

2025年12月27日下午，“别了，巴比伦——林红油画艺术展暨学术研讨会”在云上美术馆举行。本次展览由云上美术馆主办，中国艺术研究院油画院、厦门大学艺术学院提供学术支持。中国艺术研究院油画院名誉院长杨飞云、院长朱春林担任学术顾问，天津美术学院原美术史论系主任、教授郭雅希担任学术主持，艺术批评家井中月担任策展人。

参加学术研讨会的嘉宾有：中国艺术研究院油画院院长、博士生导师朱春林，天津美术学院原美术史论系主任、教授郭雅希，中国艺术研究院研究生院美术系教授、博士生导师王端廷，中国艺术研究院油画院副院长、博士生导师常磊，中央美术学院博士、中国美术馆研究馆员、中国传媒大学博士生导师黄丹麾，清华大学美术学院博士、北京大学艺术学院研究员、博士生导师董丽慧，北京画院理论研究部研究员、中国工笔画学会理事兼理论委员会委员马明宸，中国艺术研究院美术研究所研究员、《美术观察》国际视野栏目学术主持王红媛，中央美术学院博士、北京大学历史学系博士后、河北传媒学院教授刘文炯，中国美术馆研究馆员、中国美术批评家年会学术委员王萌，北京工业大学教授、中国文艺评论家协会会员魏运成，云上美术馆馆长孙志义。学术研讨会由艺术批评家、本次展览策展人井中月主持。

研讨会现场

研讨会嘉宾合影

中国艺术研究院美术研究所研究员、《美术观察》国际视野栏目学术主持王红媛：

感谢井老师的邀请，也祝贺林红的展览取得了很大的成功。前天接到这个展览题目的时候，我很吃惊，因为这个题目是个非常宏大的一个议题。它差不多是个顶级宏大的议题。为什么这么说呢？因为我们现在这个时代，面临着一个文明转向的问题。但是这个文明转向，应该向哪个方向走，目前思想家们有很多不同见解。对于这样一个议题艺术家们能做些什么呢？大概在2000前后，我碰到一些学者就开始提现代性文化的问题。那个时候整个国家还在讲中国的现代化转型没有完成。我们国家的现代化进程在社会制度、文化、教育，以至整体系统转型的过程还远远没有深刻进行，甚至国内大多数人还没真正理解什么是现代化。所以学术界开了很多关于现代化问题的研讨，在美术界包括中央美院的原院长潘公凯先生即曾组织多领域的优秀学者对现代性问题的诸多面向进行过大型研讨活动，之后出版了丛书，作为当时思想成果的总结。那时候学术界的思考重心还放在完成现代化转型的事情上面。但即使在那个时候也有学者，已经很深刻地指出现代性的危机。指出一方面我们国家的文化建设需要深入推进现代化，另一方面我们还要对现代性危机保持警惕，并进行深刻的批判。如果说20年前或30年前，学术界重点去批判现代性带来的问题，面临的反对的声音就会很大。但是到了我们现在这个时代，经过了社会高速发展四十年之后，大家对现代性的问题、现代性的危机就体会的更深一点了。所以我说你如果看林红的展览，你要看她的语境，林红所面临的是一个什么样的语境。关于她这个语境，我来之前稍微做了一点点准备，我就简单地念一下。

现代性自启蒙运动以后便以理性、进步和个体自由为核心，推动了科技与经济的飞跃，但是这种进步并非没有代价。工业革命后资本主义逻辑主导社会，消费主义成为主流意识形态，人被淹没的物质欲望的洪流中。精神性——那种对生命意义、道德价值和超越存在的追求逐渐被边缘化。哲学家马尔库塞在《单向度人》中指出，现代社会通过技术理性压制了人类的想象力和批判精神，导致了“单向度”的存在。在数字时代这种危机进一步加剧，社交媒体的算法强化了浅层互动，AI的兴起模糊了人与机器的界限。精神世界的深度对话被取代为表面的点赞和转发。

说回林红的创作，她有一个非常重要的特点，就是她整个展览还有她的所有作品的精神指向性非常明显。她的长处其实不在于绘画的语言突破，或者她提出特别新的观念或者试图传达什么新概念，都不是。她提出的是探索艺术、特别是油画艺术，重建精神性的这一个核心命题。

刚才好多老师说到林红对两希文明发祥地的探访考察，对文艺复兴时代的仰慕。文艺复兴之前是希伯莱文明占上风，文艺复兴时代是希腊文明复兴，文艺复兴时代是希伯来文明和希腊文明奇妙混合的时代。在这个时代里，人性和神性是最平衡的时代。但是17世纪之后往现代过程里走时，人性逐渐占了上风，人的神性逐渐失落，在神性失落的过程中，人的尊严也有一个逐渐下滑的过程。所以我们看到所有的当代艺术作品，都是走向荒诞、碎片化，虚无、意义缺失这么一个状态。如果是说再往前走，回到对神性的重视，其实很重要一点可能需要再去回溯希伯来文明存在的意义。如果说我们现在是又一次的“文艺复兴”时代，或许借古开新的路径是跟上一次文艺复兴正好是相反的，是需要把失落的希伯来文明找回来，林红其实做的是这样一个工作。但是这么宏大的一个议题，作为一个年轻的女性艺术家，如果驾驭起来的话，应该说是很困难的。但是林红做得非常好，她做得非常巧妙，她就通过在她的所有作品里面，加了一些基督教符号性物件，来给人一种很舒服的暗示，这种暗示那种舒服的感觉，就类似于文艺复兴时期绘画里有很多《圣母领报》题材的作品所呈现意义的方式，没有说这个报的是什么，将带来什么结果。但是它是通过一个小小的暗示带来一个巨大的信息。懂这个暗示的人可以让体会到后面这个巨大信息的洪流。林红所有作品里都很巧妙用了暗示的手法。此外她好多作品都是把自己当下的体验，她去希伯莱文明所涉及的这些地方的探访经历，她的旅游经验，她的肉身去行走、去体会去写生的经验，把这些具有生命体验温度的片段画到作品里，把当下经验和她的女性思考，与推动对文明转向意义上的深沉的反思全部都糅合在一起，这点非常巧妙。有时如果绘画过于理性的话，这个作品缺少个体存在的经验性，但是在林红的绘画作品里她本人一直都在场。再有林红的作品还有一个优点很突出：她的表现语言非常自洽。她用的是古典油画的语汇系统，但她把所有作品的色调都往回调，不是往现代性方向调，她是往中世纪古风方向调，比文艺复兴那种古典要再古旧一些的色调。她这样一调，就创造了一个林红式滤镜，所有的景是现代的景，但是你看到的都是她内心里边，那种带有神性精神的追求，是带有对人的尊严和对整个世界尊严的深刻尊重的那种风景。通过这种方式她自己造了一个自己的世界，这个视觉世界语言和要表达的内容非常的和谐自洽。

说到这里我不得不提到现在的艺术家在用古典的语言来进行创作的时候，都会面临一个困境，你用这个古典语言画现代生活经验总是味道不太对，这个古典语言怎么用得恰当这是一个不好解的难题，但是林红对古典油画语言就运用得很巧妙，她不光是把她的体验用这种语言表现出来，而且她这个语言拥有多重指向性，既记录她的个体经验，也记录她的很深刻的女性视角的思考。所以她对古典语言运用的恰当性，我还是真没有见过有第二个人做到。

最后说到林红作品的一些缺点，确实在画人的时候，有的地方看起来有点吃力，但是这是比较小的一种瑕疵。最后相对来说这个展览还是比较完美的，但是完美只要达到顶峰之后就会出现问题，这个问题就是你后面该怎么走，怎么把你想表达的，或者把你这个宏大议题再深化，将这种艺术理想再往上提升，还要想更多的办法。这些可能就是林红后面会面临的。我就说这些。谢谢。

佛罗伦萨 布面油画 60×80cm 2025年

中央美术学院博士、北京大学历史学系博士后、河北传媒学院教授刘文炯：

祝贺林红。我很喜欢她的作品。

尊敬的朱春林院长、郭雅希教授、常老师、王老师、黄老师和各位老师，大家下午好！

坐到这里之前，我仔细、完整地看了两个展厅里的所有作品。此外，我本人的研究方向是中国明清时期的美术考古。在长期的田野调查中，我接触过大量视觉、物质与空间类的文化遗存，它们大多缺乏相应的文献记载。因此，多年来，如何为这些沉默的材料寻找合理的解释，已成为我的工作习惯。今天，我想沿用这一方法，从“笔触-线条”与“空间-方向”这两个层面，对林红和她的绘画作一次简短的“考察”。

首先，是“笔触-线条”。选择“笔触-线条”这一组概念，是因为在林红2018年及之前的作品中，我们可以清晰地观察到她试图通过笔触来模拟、构建物象的形体结构。因此，在她的画面中，笔触是明确、肯定的，是充满张力的。进入2019年，尤其是在2019年之后，线条的痕迹几乎消失殆尽，她完全摒弃了以线条勾勒对象轮廓的方式。她的画面语言趋于内敛。例如，那些我很喜爱的风景画中，已看不到明确的轮廓线了，她仅依靠不同明度、纯度、冷暖色阶的变化来组织画面，并不厌其烦地去“累计”，最终营造出一种温润如玉的画面质感。

如果我们进一步探究这种“温润”的画面品质，便会发现，这是两种媒介语言精妙结合的产物。一种是印象派的“并置”笔触，是直接画法，厚堆的，充满了物质感；另一种则是古典绘画的“罩染”技法，是间接画法，透明的，充满了迷幻的灵动感。不难发现，她是以后者“反复叠加”前者，并在笔笔相生之间，逐渐找到了属于自己的独特视觉品质。林红正是在上述反复实验的过程中，逐渐锚定了自己的艺术语言，这是她审美趣味的清晰表达。

值得注意的是，观者还是能够在林红的画面中找到线条。但这里的线条并非塑造体积、空间意义上的线条，也非简单意义上的装饰性线条。林红在上述两种媒介之间反复推照的过程中，累积出了丰富的层次和空间。但她却没有强调、留恋画面中的体积和空间，而是将画面空间固定在了“二度半”（介于二维和三维之间）。这是一种很有意味的审美空间。这是她有意为之的结果。但，想必她本人不一定非常明确，应该是她潜意识的呈现吧。在她的《别了，巴比伦》中，我们在主体人物的服饰上，可以看到她所强调服饰的衣纹（线条），而不是身体的体块感，她甚至还模糊了人体的内在结构。事实上，林红更在意衣服纹饰（线条）的排列、穿插，乃至疏密和节奏，呈现出一种类似于“褒衣博带”的古雅“仪式感”，并最终弥散出了一种自在、散淡的气息。直观而言，这些衣纹（线条）在视觉层面，就是线条。但，此时的线条，已经具备了象征性的图腾意含。到这里，林红的笔触和她的绘画历程，似乎可以链接起来。这或许是我个人的一种发现，这种发现里，保留着她个人的一种趣味，也许是她不经意的一个体会，或许目前尚处于偶然阶段。林红是否继续稳定往前推这种趣味？值得期待。

其次，是“空间-方向”。在2020年后的大幅人物主题性绘画中，林红将画面中的主体人物和客体场景完美统一了起来，并且形成了精神层面的明确的指向。如她的《致敬拉斐尔》，一方面，画面中的主体人物，侧身引向画面的内部，似乎是要将观者引向远处的某个方向；另一方面，画面中的客体场景部分，一组组街道，弯折延伸向画面的内部，明确制造出一种引向远处的视觉导向效果。我们不难发现，画面的主、客体，两个方面，却共同指向了一个方向。其实，从另外一个角度看，场景也可以被视为“主角”。我在看画的过程中，尝试着把作为主体的人物去掉，这样画中就仅剩下场景部分了，比如：一条街道，一片蓝天，一片松林等等。但，这些场景，并非普通意义上的自然景观，而是已被她处理过的，有了明确空间指向的人文空间。更为重要的是，这种人文空间也已经为主体人物做出了“让渡”。在这里，场景是作为配合画面主体的必要组成部分，与画中的主体人物高度匹配，是另外一个“角色”，二者协同发力，同时指向了林红心中的方向。因此，画面中与场景配套的人物，无论是手指向的天空，抑或是目光注视向的画面内部，都非偶然。

前面各位老师多从绘画主题的角度，对林红的作品进行了深入探讨与解读，相关论述已十分全面。因此，我就不再对这一部分赘述了，感谢各位的聆听！

乌尔比诺的天空 布面油画 120×160cm 2025年

中国美术馆研究馆员、中国美术批评家年会学术委员王萌：

谢谢主持人！我的发言将围绕“再现场”展开。首先向画家林红和策展人井中月表达祝贺，这是一次油画本体层面视角独特的展览。策展人井中月花了大量的精力，对林红女士的创作进行阐释，写的很清楚，也比较深入。这个小画册完全可以把策展人的名字放到封面上，策展人是跟艺术家的创作紧密联系共创闭环的关系。从画家到工作室，包括前工作室阶段的创作现场，再到工作室之后，进入到刚才董丽慧教授发言中提及的罗兰ㆍ巴特，巴特的作者之死理论，在美术领域也预示着读者的来临。这个过程当中，从个人性到公共性的一个转化的过程，所以它给我们带来是两种重要的，在艺术世界当中的话语形态。一个就是艺术家的创作，这个在以往的美术概论当中谈的比较多，对创作方面，这是接受论。当然中介体制中也有，但是策展在今天当代现场当中，与艺术家的创作，它的关联性，实际上在回顾到艺术家创作中的前工作室、工作室阶段和展厅阶段（公共性），也是一个过程，而且特别重要。

简单讲其中一个问题，林红的整个创作的过程，实际上看她的作品，比如她有一幅作品，当然她的作品当中有意大利、有希腊、有法国、有古巴比伦，也有荷兰，她还有一幅作品是画苹果，但题目是叫《向安吉利科致敬》或者致敬安吉利科。她的整个创作应该是兴趣先行，一个是内容兴趣，一个是她对安吉利科，包括还有一个法国艺术家库尔贝等人的回应，她也把艺术家的名字写上了，实际上是绘画的兴趣。她是在“内容与语言”双兴趣当中，展开了油画创作，给我们展现了这么多的画作。

林红创作体系整个看，她实际上在中国画当中讲，她兼善又能够画人物、画花鸟画山水，她有静物画、有风景画、有人物画，还有对建筑的研究、对人文的研究。她整体语境，给我们带来是历史与当代的互观。在她的油画世界中，历史和当代相互对视、又相互观照，最后达到一种共生，形成造境的油画语言。在这个过程中我们看到她整个创作逻辑的过程。

我想刚才很多先生们也谈到了，关于一个油画家她的兴趣的内容，和回到本体绘画油画里边之间的关系，实际上我们把她创作的逻辑整个了解一下，就很了解她目前的，包括一个80后她的年龄段，在我们眼前创作的这一批作品的坐标体系。她内容先行之后，给观众带来一种吸引力，这种吸引力来自于画面当中。比如我很喜欢一张作品就是她画的《佛罗伦萨》。这件作品的远景实际上是超越地平线的天空，她的中景左侧是乔托钟楼。右侧是圣母百花建筑，这既是佛罗伦萨的城市符号，也是全人类的文化遗产。画面的这个两个建筑，画的笔触比较温润，让人想起了莫兰迪的静物。画的前景横跨整个画面，几乎占有画面一半空间的前景，实际上是佛罗伦萨带有城市、市民生活属性的城市建筑。整个这幅作品，让人看了这件作品之后，想到有一个词叫“再现场”。我们今年上半年，在中华艺术宫，我策划一个现代水墨艺术家的个展，其中有一个单元叫“记忆重启”。实际上是一个国画家到了悉尼多少年，再回到中国的四川彝族地区。他实际上是重启青春岁月“记忆现场”的记忆的重启，对于创作动力、动机、目标追求的内在机制。

而今天这位女画家林红，她实际上是从中国这样一个出发点，走到了油画的原点，也是靳尚谊先生这一代的油画家，他们做了很多这样的展览，类似“重温经典”油画追求。在林红的作品它的中主线不是记忆重启而是“再现场”，通过“再现场”的方式，她也展现了今天新女性的特点，她能够从中国走向世界，然后寻找自己的绘画对象。所以“再现场”这样一个创作语境当中，她的整个的状态实际上是重返今天，在今天21世纪，一个青年画家、一个青年新女性，她不是女权主义的，但是她把一个人，作为共性的人，一个画家的共性，对于绘画的理想的浓情厚意，画家对绘画的孜孜以求，浓情的个人兴趣角度释放到绘画语言的内容和本体探索中。当然我们把这个线索再回到刚才从图像理论到本体理论的关系，个人咱们交流，下一步一个方向，继续从内容的角度去不断的铺开，往下延续这个过程，因为林红还是一个很年轻的画家，兴趣对画家是很重要的动力。我们可以设想一下结果，画面、图像内容给我们带来的新的欧洲“旅游感”。

当然同时随着这样一条主线在创作当中，一个画家在画多了之后，对于语言在无意识当中也会进行深化，这个过程是延续你现在的逻辑关系。另外一种方式就是与之不同，借鉴今天很多画家讲的，因为你现在内容已经画得较为丰富了，而且创作作品量是很多的量，确实很高产。但本体方面换了另外一个道路，就是从你现在的可以叫“绘画行旅式”的“再现场”创作方式，转换成一种课题化、项目化甚至展览式创作。这个课题或者兴趣已经比较充分了，再回到兴趣另外一个，回到语言，比如你喜欢安吉利科的画面感或者喜欢巴比松画派或者莫兰迪等等艺术史上的油画家，这里面包括刚才有先生讲的格列柯等等画家的语言作为出发点，都可以。这个课题是以语言先行去带动题材、母题和内容、图像的生产。这两种方式，这两端都可以，在今天作为一个新女性的艺术家，作为年轻艺术家，同时对于绘画具有这种浓情厚意的理想的画家，你的创作是自然的。当然专家从研讨会都是很真实的通过各自不同的，横看成岭侧成峰的视角给予艺术家和策展人，一些很真挚的一些交流。实质上我们可以帮你分析两种不同路径和侧重，但实际上你从语言先行的过程当中，也会带着内容不断进行。这个最终的决定权不是在策展人，也不是在批评家或者所谓导师，而是在艺术家自己。这是一个点。在这个过程当中，再一个建议，回到一个是绘画的动机与隐私，或者个人写作与公共写作之间的关系。实际上一个画家就像一个人一样要有自己的隐私，像写文章一样，不要把所有东西全部告诉策展人和观众，全道出来之后这种当然很质朴、很朴素，实际上在画家创作当中，这就涉及到个人写作、公共写作的关系。个人写作是日记，可以很真挚作为绘画一个时期，你的一个动力，让人看得出很有感觉的作品。但是这些作品，一个作品像它的画面还有题目，题目再好好斟酌，走向成熟和。比如新表现主义的基弗，按他的作品的背后有观念，他在画作中流露给别人他真实的一些意图，但他也隐藏了一部分，这就是一个绘画的老手对于“神秘感”的把控。

油画进入中国已有很长历程，对于油画浓情厚意很真挚的追求，过于浓情厚意就把自己的东西都倒出来了。刚才有人谈到策展与创作的关系。今天策展人是艺术家的协同伙伴，大家共同进行文化生产、推向公共领域。林红的作品，可以通过策展转换，和策展人对不同展览的编码方式和语境创造。比如刚才提到一个譬如“再现场”“重返经典”和“历史与当代”。把画作中涉及到的旅行过的国家、城市、风景，把它变成一个，在作品当中描绘出来的具有全人类共有的世界文化遗产。从历史的角度，来解读你的个人性，从个人性到公共性的策展的阐释，或者说文化密码的再生产，通过策展编码和创作的紧密结合，通过展览刚才提到可以做课题式的创作、展览式的创作，为一个展览，为你的个展，哪怕为更具公共性意义的美术馆展览创造条件。然后你再根据展厅再创作一些作品，项目式创作，会让展览很生动。比如你老在画室里没也感觉了，刘晓东也是写生式的“在地”创作者，他是项目制的。从创作源头直接就跟策展人密切合作。从策展角度，我看到了在你作品中的公共性，实际上你的作品从全人类文化遗产角度，古巴比伦，文明的起点之一，符合现在文明互鉴语感。当然这个个人写作和公共写作之间可以转换。在这个语境当中，公共展示也可以回到你的原点，各种策展方式都是对艺术家创作的“再创作”，这就是策展人创作，从创作与策展双视角再来看今天林红这次展览。

今天时间关系，其实有很多可以谈的，包括你古典技法画静物的时候笔触很细，画风景就比较松，细、松背后的画者状况其实很值得分析，包括此刻的心理动机和原因，这都会对绘画产生关键影响。你的作品中有些有意识的对国外美术史上名家的探索，整体上还是中体。这些人你再怎么有兴趣，在作品中都是你作品中的一些元素，而你作品的主体，实际上是中国20世纪以来学院派，学院油画教学和创作体系当中的一个基本结构，再怎么去学，包括静物、风景、风俗这些画，这个“体”，在语言构造体系中，都不会影响你的作品中的基本格体，可以大胆去创作，不断做一些开拓。

古典在今天的整体文化格局中具有特别的意义，林红的绘画中去有意识重走油画历史进程中重要城市的“行旅式”的“再现场”，也具有特别的行动意义和绘画感觉。关于下一步在内容与语言的侧重点上，可以按照自己的兴趣，进行规划，让自己的的绘画之路走的更坚定，更有意思，也更有价值。

圣托里尼 布面油画 180×160cm 2018年

北京工业大学艺术设计学院绘画系教授、中国文艺评论家协会会员魏运成：

刚才看了两遍林红油画个展，很有代入感。概括如下：

一、 精神美，干净的精神家园和归隐地，是文化溯源与反思。

赞成王端廷研究员关于“精神世界”观点。

二、 本体语言，油画--色的罩染、材料的研究模式，是色调温润的新人文主义关怀。

赞成朱春林院长关于油画本体语言更多的思考观点。赞成郭雅希教授关于文明的观点。

我以为：林红油画，寄情华夏文化精神与国际通识油画文化精神，很有代入感。

三、 油画人物题材系列，集中体现林红植根油画发源地文化土壤的精神追求和语言探索。

我认为林红的人物作品，是借西方传统油画语言，迈锡尼文明、文艺复兴精神与与今日中国新女性主义精神关怀的融合。

1. 用油画语言和母性形式的永恒主体，努力朝向续写人类命运共同体共识共融的目标行进。我还认为，林红是以文化视觉图像形式、文物化图像记述史诗传承、传播今日文明。

2. 传统油画本体语言、源头材料的触摸，我赞成郭雅希的追问。

3. 林红笔下的“人物”生态，具有深刻文化自觉自省的反思。

如林红作品《启示录•拨摩海岛》的启示，将读者代入到当年央视《新闻启示录》语境和联想中。

在林红作品中，我们读出艺术与科技的信息、巴比伦建筑、意大利中世纪至文艺复兴建筑工程的信息。在建筑图式方面，如《佛罗伦萨》、《乌尔比诺的天空》、《威尼斯》、《钟声》。赞成黄丹麾研究员关于“生态”和“科技”的观点。

4. 油画建筑营造语言图式

林红将经历600年建造史的《佛罗伦萨》百花堂和远眺的基督堂，折射出希腊、中东、两河流域的文明路径。在《乌尔比诺的天空》、《威尼斯》中，承载西学东渐建筑科学性与建筑音乐节奏的艺术造像审美性。

赞成王端廷先生关于科学方面的观点。赞成马明宸研究员的观点和王红媛研究员关于“两希文明”的观点。

我认为：林红的油画语言具有科学与艺术溯源与反思趋向，作品具有深刻性、科学性和艺术性三位一体特点。应加强学与续写的关系，建议从东西方同期油画建筑比较研究。

林红油画的数理科学图像聚焦与撷取，从巴比伦朴素几何基础研究着眼，应该说是对油画透视、构图及立体空间塑造的科学与艺术直接影响显而易见。

我认为：别了，巴比伦是文化反思。自“85”美术以来，油画家从本土语言和形式“移植”、植入哲学、嫁接到“后现代主义”图像化上。东、西、南、北、中，都有这等取向的油画家。如上海徐芒耀、湖北石冲、江苏丁方、四川刘亚明、内蒙朝戈、河南“二段”。女画家则多以女性情智、感性情致油画发声。是女性生理、生态自身油画表达。如：申玲、蔡锦、喻红。而林红笔下“人物”生态是具有深刻文化自觉自醒的反思。

建筑风景中的油画本体语言研习，如《天空之城•梅黛奥拉》中，绿色的层层叠叠、刀笔类似积墨积色，耐看而有味道是朦胧美。油画的红色和绿色本身是最难画的。如建筑画的再挺拔些会更好。

小稿是这次展览的另一个看点：《圣托里尼的蓝色教堂》，我也画教堂，可以对话。

《乌尔比诺景色小稿》很精彩、耐看。明快的水彩《金色耶路撒冷小稿》。《荆棘冠冕》素材小稿可见作者创作虔诚，其代入感让我等产生卧薪尝胆和殉道者的静穆感。从该作图式看希腊的对称式、崇高式、静穆式，构成林红油画本体语言的宗教精神。

在人物题材上，林红油画《平安》中苹果符号，集聚东西方对未来平安顺遂的共同祈盼，通过国际通识视觉文化象征图式，对文艺复兴和古希腊文明视觉再认知。其中包头巾自画像，具有希腊古风时期多利安建筑柱式，与雅典娜宗教仪式感符号叠加审美特征。

《马其顿的呼声》中国式模特儿的植入是反思，让人想起广州十三行外销瓷的通识方式。《前往锡安山》、《前往亚略巴古》写生式随性语言，可见作者“在路上”的心思路径。

林红油画笔下《加帕多家》、《加帕多家的四月大雪》，有山的那边风景的造境，让人想起中国麦积山，有大宋高山仰止的人文精神共鸣。

海景《圣托里尼》让人联想起墨尔本大洋路十二门徒世界文化遗产。

静物《多结果子》穹顶式构图、《有佛罗伦萨背景的静物》中“老桥”符号，再度唤起乌菲奇美术馆经典文化记忆。仰望美第奇家族对文艺复兴的杰出贡献。

本体材料语言：《教堂与蓝天》等板上湿壁画、坦培拉研习。说明林红治学严谨、直奔文艺复兴绘画源头，是研究型画家。

《致敬拉斐尔》让人想起雅典学院与拉斐尔自画像植入构成语言，本身具有现代感。

总之，从油画建筑造像比较研究角度看，建议将希腊中世纪梅黛奥拉修道院（东正教）与中国悬空寺（三教合一）建筑文化与视觉图像比较研究。

侧面人物那幅油画《别了—巴比伦》很有代入感，让我们想起2017夏走在古罗马遗址时，那种“条条道路通罗马”的盛况狂想。

画展的命名《别了—巴比伦》，体现林红油画新人文精神和策展人井中月艺术学智慧与才情，自然也很有代入感：别了两河流域、别了迈锡尼文明、别了雅典卫城、别了空中花园、别了巴蒂农神庙、别了多利安建筑柱式、别了庞贝古城、别了梵蒂冈《创世纪》、别了佛罗伦萨圣百花堂、别了《雅典学院》、别了坦培拉、别了湿壁画、别了欧洲文艺复兴经典艺术与科学。此次画展和研讨，又一次引发油画创作和艺术史如何续写的问题？

从土油画到行万里路，临界聚焦基督教与加帕多家，林红作为女性油画家，是对世界文化遗产美术文化建设的添砖加瓦。教堂与喀斯克地貌有机结合，是在续写世界文明史的路上，是以油画国际通识语言，讲人类经典视觉文明的故事，如：道德经、论语、圣经等对于真、善、美的永久敬仰，也折射表现出世界文化发展的沧桑巨变。

《别了—巴比伦》画展，让我们又一次想起中国第一代油画家李铁夫、林风眠、徐悲鸿，直至第三代油画家靳尚谊先生的《塔吉克新娘》，直奔欧洲经典大师的杰作研习，为新时期以来中国油画本体语言发展正本清源、推波助澜。想起来本月在中国艺术研究院油画院博物馆，看到全山石先生对二十一世纪中国油画建树的企盼。《别了—巴比伦》路在脚下，假以时日，前景光明！

展览信息

展览名称：别了，巴比伦——林红油画艺术展

学术顾问：杨飞云 朱春林

学术主持：郭雅希

艺 术 家：林 红

策 展 人：井中月

艺术总监：孙志义 林建寿

视觉设计：贺菲菲

媒体宣传：汪 洋

学术支持：中国艺术研究院油画院 厦门大学艺术学院

主办机构：云上美术馆

开幕时间：2025年12月27日16：00

研讨时间：2025年12月27日13：30-15：30

展览时间：2025年12月27日—2026年1月8日

周二 – 周日 Tue.-Sun. 9:00-17:00

展览地点：北京市朝阳区高碑店文化艺术新街1704号云上美术馆

ARTIST

艺术家

林 红

毕业于厦门大学艺术学院，结业于中国艺术研究院油画院。

近年来，举办奇异恩典、金色的耶路撒冷、马其顿的呼声、别了，巴比伦等个人展览。

CURATOR

策展人

井中月

毕业于天津美术学院，获硕士学位；任职于中国艺术研究院油画院。

长期致力于现当代艺术的研究、策展、创作，发表学术论文近百篇。主要论文：《一切历史都是观念史——作为一般文化史的艺术史学史》《风格学与图像学的争论——维也纳美术史学派的理论分野》《西方艺术“现代性”的两条路径——现代主义与前卫艺术》《现代主义本质——格林伯格式艺术叙事》《西方艺术史叙事中的“再现”转向——模仿、再现主义、仿像》《艺术之后的艺术——艺术终结论的产生与艺术史叙事的转向》等。独立策划：学院里的“国王”、西域印迹、“墙”外、“草稿”≠草稿、马其顿的呼声、隐喻与知觉、创造性生长、异质体集群、重构剧场、古典的衍生、自然•人化等展览。艺术创作：要有光、星丛、无人区等系列，曾举办“当世界独有天地——井中月观念绘画巡展”、“非同一性的星丛——井中月未来艺术巡展”等。

编辑/爱诺