精华热点 【谭延桐超验绘画研究系列】不断地给自己的绘画艺术灌注崭新的思想
史传统
谭延桐在野外写生
【譚延桐简介】
谭延桐，哲学家，书画家，音乐家，教育家，编辑家，毕业于山东大学文学院，先后做过《山东文学》《作家报》《当代小说》《出版广角》《红豆》等报刊社的文学编辑，现为香港文艺杂志社总编辑、香港书画院院长、《人文科学》编委会主任、中国现代诗高峰创作笔会名誉主席。
中学时代开始发表诗歌、散文、小说、评论、剧本、报告文学、歌曲、书画等，著有诗集、散文集、诗论集等共二十部，入选《中国散文家代表作集》（作家出版社）、《名家名篇获奖散文》（人民日报出版社）、《21世纪中国经典散文》（内蒙古文化出版社）、《当代散文随笔名家名篇》（青岛出版社）、《当代散文精萃》（中国文联出版社）、《当代散文精品》（延边大学出版社）、《新散文百人百篇》（人民文学出版社）、《中国当代散文排行榜》（漓江出版社）、《当代散文精品》（广州出版社）、《新世纪优秀散文选》（花城出版社）、 《1999中国年度最佳散文》（漓江出版社）、《2000中国年度最佳散文》（漓江出版社）、《2003年中国精短美文100篇》（长江文艺出版社）、《2004中国散文年选》（花城出版社）、《2004中国年度散文》（漓江出版社）、《2005年中国随笔精选》（长江文艺出版社）、《2005年中国精短美文100篇》（长江文艺出版社）、《2005中国年度杂文》（ 漓江出版社）、《2007中国精短美文100篇》（长江文艺出版社）、《散文百家精华》（河北教育出版社）、《中国散文家大辞典》（作家出版社）、《大学语文》（高等教育出版社）等三百余种选本。主要著作有《夏天的剖面图》《民国大艺术》《一城浪漫》《笔尖上的河》《时间的味道》《遍开塔树花》《和火苗慢慢切磋》等。部分作品被译为英、法、德、意、俄、荷、韩、波兰、亚美尼亚等多种文字。曾获“第二十一届百花文学奖”、“第五届金青藤国际诗歌奖”、“广西政府第五届铜鼓奖”，以及《人民文学》《散文选刊》《散文海外版》《诗选刊》《星星》诗刊、《时代文学》《广西文学》《西湖》等颁发的文学奖或编辑奖，并荣获“山东省十佳青年诗人”、“十佳华语诗人”、“全国十大为学精神人物”等称号。散文《家是地球的中心》《决斗》《不画别人的风景》《对面的茑萝》《樱桃树下》《石头里藏着雕塑》等，被用作全国各地中高考语文试题，引起广泛影响。
前言
就那么，他在默默地灌注着……仅是这样一个默默灌注的动作，就足以感天动地。看上去，谭延桐的身影，像极了西西弗斯。甚至完全可以这样说，谭延桐就是人文科学领域的西西弗斯。为了画画，他不知熬了多少个通宵；为了画画，他从来都没有节假日……他的心，是长在了绘画艺术上的。
“我捂着自己的草帽，不断地从草帽里变出一些什么来……”他说，说得意味深长。他的草帽，也许是一个稍一转动就会气象万千的魔帽。
谭延桐是跨界艺术大师，是当代罕见的“哲学—禅学—美学—诗学—书画—音乐—教育—编辑”等一体化的人文科学家。理为难得的是，他是人类的良心之一，拥有一般人所没有的信实、良知、热血、担当与顽硬。如此生命个体，即使是掷出一万公里，也注定是摔不烂的。
仅就书画艺术而言，至今，谭延桐已经创作了书画作品一万余幅。因为其绘画是超验绘画，因此，再多的绘画作品，他的个性化非常强的绘画作品也是不至于被淹没的。
被“土地文化”所限，不少画家的画作都是封闭式的，而谭延桐的绘画艺术却是“海洋文化”浸润的一个结果，是典型的开放式的。因此，站在他的画作面前，我们就总是遐想了再遐想，也就是说，他的绘画艺术总能把我们的遐想拽向遥远的某个地方。
谭延桐的涉猎，有水墨画、水彩画、油画、版画、壁画、素描和雕塑等，无论是以怎样的艺术形式来呈现，所呈现的无不是他的美学理念和哲学思想。他的艺术作品之所以形而上，完全是因为，他站在某种高度上，是这高度，使得他的艺术塔矗立不倒的。
作为香江画派领军人物，其超验绘画系列作品以独特的艺术语言，引领观者进入一个个既熟悉又陌生的艺术世界。赏析的三幅作品中，谭延桐运用色彩、肌理与构图，构建出一个个超验的自然与精神场域。《红黑肌理里的精神游走》以红与黑的激烈碰撞，展现了生命与空无的共生状态，通过斑驳的肌理和自由的线条，引导观者体验时间的层叠与意识的流动。《残阳被野山吞尽的苍茫诗》以蓝与黄的融合，诠释了自然对时间的包容与吞蚀，画面中的无中心构图与破碎线条，模拟了自然中的漫游状态，让观者感受到自然的整体性与苍茫感。《本不该缺的空缺：世界之痛的超验显影》通过绿与白的对抗，揭示了现代社会中本不该缺失却紧缺的精神与物质现状，以超验的手法呈现了世界之痛，激发观者对现状的深刻反思。
谭延桐的超验绘画不仅是对传统艺术边界的拓展，更是对人类精神世界的深刻探索，其独一无二的艺术语言和深邃的哲学思考，在当代艺术领域实属罕见。
画作下方的白色题字像一道光，穿透红与黑的迷雾。“他，指着……然而我并没有顺着他的手势看去”，这句话打破了“作者—作品—观众”的传统权力结构，艺术家不是意义的给予者，而是体验的发起者；作品不是固定的答案，而是开放的场域；观者不是被动的观看者，而是主动的创造者。未看对应画面的无中心，文字说不要顺着手势看，画面就没有手势指向的焦点；文字说拒绝被指引，画面就没有引导视线的线条。这种互文的张力，像禅宗的“棒喝”，打破观者对文字意义的执着，让观者直接面对画面本身的精神存在。不再纠结他是谁、手势指什么，专注于红与黑的存在状态，专注于肌理的时间痕迹，专注于视线的自由游走，你就进入了禅宗的“当下”。真正的真理不在文字里，而在直接的体验中，不在被告诉的答案里，而在自己感受的过程中。
红与黑的潮汐不是单纯的色彩碰撞，而是两种存在状态的纠缠。深暗红像凝固的血，带着岁月浸泡过的沉滞，仿佛旧墙面上被雨水反复冲刷的红漆，藏着未说出口的故事；橘红像燃烧的余烬，还留着生命的热度，似火焰熄灭前最后一丝跳动的光，带着未完成的渴望；斑驳红像剥落的墙皮，露出底下的青灰，刻着时间的侵蚀，每一道裂痕都藏着被遗忘的瞬间。黑色不是背景，而是渗透在红色里的阴影，浓黑像深渊，吸收着光的锋芒；灰黑像阴影，裹着未被照亮的意识；红黑像揉碎的夜，带着血的温度。红与黑的对话里，藏着道家“阴阳合一”的智慧，阳的显与阴的隐，生命的热与空无的冷，不是对立的两极，而是互根互用的整体，像阴阳鱼的流转，没有开始也没有结束，只有动态的平衡。
刮刀用力刮过画布，留下深深的竖纹，像墙面的缝隙，像意识的流动，没有刻意的方向，只有力量的释放；手指随意涂抹的斑点，像灰尘的堆积，像潜意识的碎片，没有明确的形状，只有情绪的溢出；刷子反复晕染的边界，像记忆的模糊，像精神的游丝，没有清晰的轮廓，只有感觉的蔓延。肌理的斑驳不是做旧，而是层理的叠影，第一层红是清晨的光，第二层黑是深夜的影，第三层红是午后的风，每一层都记录着一个过去的时刻，每一道裂纹都刻着一个未被遗忘的事件。触摸这些肌理会感受到砂纸的摩擦，粗糙得让指尖发疼，像岁月的砂轮磨过皮肤；会感受到浮雕的凸起，厚重得让手掌发麻，像意识的块垒压在心头；会感受到旧照片的温度，模糊得让眼睛发酸，像记忆的碎片刺痛神经。这些触觉联想不是视觉的延伸，而是精神的共鸣。观者摸到的不是画布，是时间的重量，是意识的形状，是生命的痕迹。
竖线有些弯曲，像墙面的缝隙，也像树干的轮廓，却没有明确的端点。它从画面上方延伸下来，穿过红与黑的交织，消失在下方的斑驳里，像意识的流动，没有起点也没有终点；右边的曲线像裂纹的走向，从中心向四周扩散，却没有固定的方向，它绕过红色的块，穿过黑色的斑，像精神的游走，没有目的，没有归处；左边的不规则线条像树枝的分叉，却没有叶子的点缀，它从红色的斑点里伸出来，又钻进黑色的阴影里，像潜意识的碎片，没有逻辑。这些线条不引导视线，而是让视线自由游走，观者可以从左上角的深暗红开始，顺着刮痕走到中间的橘红，再沿着裂纹走到右下角的斑驳红；也可以从右边的黑色块开始，穿过红黑交织的区域，走到左边的红色斑点；甚至可以盯着某一块肌理发呆，让视线在红与黑的缝隙里迷路。没有中心，没有终点，像意识的流浪，像精神的散步，呼应着题字里未顺着手势看的自由，视线就变成了精神的翅膀，在画面里自由飞翔。
画面中的形象像未完成的梦。中间有一个模糊的轮廓，像人的形状，有头部的圆，有身体的长，有手臂的弯，却没有面部的细节，没有衣服的纹理，被红与黑的肌理覆盖，像被雾蒙住的影子。这个他可能是过去的自己，那个曾经被期待、被定义的自己，现在变成了模糊的轮廓；可能是社会的期待，那些应该做的事、应该成为的人，现在变成了抽象的符号；可能是未知的命运，那些未到来的日子、未发生的故事，现在变成了不确定的形状。因为模糊所以不是固定的符号，观者主动想象参与创造，当官者认为他是过去的自己，会感受到告别的释然，原来过去不是必须背负的包袱，而是可以放下的影子；当观者认为他是社会的期待，会感受到拒绝的勇气，原来应该不是必须遵守的规则，而是可以打破的枷锁；当观者认为他是未知的命运，会感受到好奇的兴奋，原来未来不是必须恐惧的黑洞，而是可以探索的迷宫。
这幅画用红与黑呈现生命与空无的共生，生命不是纯粹的存在，而是存在与空无的交织；用肌理记录时间与意识的流动，时间不是线性的过去—现在—未来，而是层叠的时刻；用无中心构图模拟自由凝视的状态，凝视不是寻找答案，而是体验过程；用模糊形象暗示不可知的精神存在，精神不是可定义的实体，而是未完成的可能性；用题字引导观者拒绝被指引，真正的超验体验来自拒绝被定义后的自我觉醒。当观者站在画前，感受到红与黑的张力像生命的呼吸；感受到肌理的重量像时间的压迫；感受到视线游走的自由像精神的解放；感受到未被指引的勇气像打破枷锁的快乐。超验绘画的本质是让观者成为自己的精神导师。当观者拒绝被他指引，拒绝被文字定义，拒绝被常规束缚，你就会看到属于自己的红与黑，那是自己的生命痕迹，是自己的时间记忆，是自己的精神世界。关于生命、关于时间、关于自我的问题没有固定的答案，却有无限的可能，像红与黑的潮汐，永远在流动，永远在变化，永远在等待观者的凝视。
“莽莽苍苍”形容自然的辽阔无边，充满生机又带着苍茫；“野山吞尽残阳”是自然对时间的吞蚀，不是暴力的毁灭，而是包容的融合，残阳不是消失，而是成为野山的一部分；“……”省略号是未完成的延续，引导观者想象残阳之后的状态，暮色更浓，野山更苍茫，或者新的阳光即将到来，但重点是吞尽的过程，而非结果。谭延桐用这个题字点化画面，让观者从看自然转向体验自然的吞蚀力。野山不是被看的对象，而是吞蚀一切的存在，包括时间、意识、自我。题字的吞尽对应画面中黄被蓝吞噬的视觉效果，“……”对应画面中未完成的笔触和线条，引导观者想象吞蚀的持续过程，自然的吞蚀不是一次性的，而是永恒的，像时间的流逝，像生命的循环。
画面的蓝与黄不是两种颜色的简单碰撞，而是自然与时间的纠缠。深蓝像野山的肌骨，带着岩石的粗粝、暮色的沉滞，仿佛千万年的风蚀刻在山体上的痕迹；靛蓝像山的褶皱，藏着未被阳光照亮的阴影，像自然的秘密；青蓝像山的表皮，带着植被的湿润、苔藓的柔软，是自然的呼吸。橙黄像残阳的余烬，还留着最后的温度，似夕阳坠山前的最后一抹光，带着未完成的眷恋；金黄像光的碎片，散落在蓝的肌理里，像残阳被野山揉碎的光斑。蓝与黄的交织不是对比，而是融合，黄在蓝中渗透，像残阳慢慢沉入山的怀抱；蓝在黄中晕染，像野山吸收了残阳的光，最终黄被蓝吞尽，却又在蓝的深处留下温暖的痕迹，像时间融入自然的永恒。
画作的色彩是精神化的自然色。谭延桐没有用现实中的自然色（比如真实的山是绿的，夕阳是红的），而是用蓝与黄构建了一个超验的自然，蓝是自然的本体，代表永恒、深沉、包容；黄是时间的象征，代表流逝、温暖、短暂。两者的融合，是自然对时间的吞蚀，也是时间对自然的融入。盯着画面中的黄块，会发现它不是平整的，而是有刮痕、斑点、裂纹，像残阳照在粗糙的山岩上，光被打碎成碎片；蓝块不是均匀的，而是有深浅变化、肌理起伏，像野山的山体，有凸起的岩石、凹陷的山谷、茂密的植被。色彩的层次像自然的立体结构，让观者感受到自然的深度：从表面的青蓝，到中间的靛蓝，再到深处的深蓝，像走进野山的内部，越走越深，越走越苍茫。这种色彩的精神化，让自然不再是被观察的对象，而是包容一切的存在。它吞尽残阳，却不消灭残阳；它包容时间，却不被时间束缚。
谭延桐用刮刀、手指、刷子创造了破碎而厚重的肌理，刮刀刮过画布留下的深痕，像山岩的裂缝，刻着风的痕迹；手指涂抹的粗糙斑点，像植被的丛簇，带着生命的温度；刷子晕染的模糊边界，像暮色的渐变，藏着时间的流逝。这些笔触是为了表现自然的质感，野山的粗粝、风的流动、时间的侵蚀。比如，画面中间的黄色块，有一道深深的刮痕，从顶部延伸到底部，像山的主脉，也像时间的轴线，残阳沿着这道痕慢慢沉入山的深处；左边的蓝色块，有许多细小的斑点，像苔藓的痕迹，也像时间的碎片，记录着自然的岁月。笔触的建构性通过“破坏”平整的画面，建构出自然的真实感，不是视觉的真实，而是精神的真实。触摸这些笔触会感受到砂纸的摩擦，粗糙得让指尖发疼，像山岩的表面；会感受到浮雕的凸起，厚重得让手掌发麻，像山的轮廓；会感受到旧布的纹理，柔软得让心脏发暖，像自然的呼吸。这些触觉联想不是视觉的延伸，而是精神的共鸣。观者摸到的不是画布，是自然的时间，是山的记忆，是残阳的温度。
画面中没有清晰的线条，都是破碎的、流动的、模糊的，有的像山的轮廓线，被风吹散成碎片；有的像光的轨迹，被云打断成斑点；有的像时间的线，被自然揉碎成肌理。这些线条引导视线在画面中游走，没有固定的方向，没有中心，观者可以从左上角的橙黄开始，顺着线条走到中间的深蓝，再到右下角的青蓝；也可以从右边的黄色碎片走到左边的蓝色块；甚至可以盯着某一块肌理发呆，让视线在蓝与黄的缝隙里迷路。这种无中心的线条符合超验绘画的“无指向性”，让观者体验游走的过程，也就是自然中的漫游状态。会感受到自己像在野山中漫步，没有目的地，只有过程，风从耳边吹过，植被擦过裤脚，山的轮廓在暮色中模糊，残阳的光在山岩上跳跃，观者不需要寻找什么，只需要存在在自然中。
画面采用满幅构图，几乎填满整个画布，没有留白，像野山的无边无际，没有边界，没有出口。这种构图模拟了自然的包围感，当观者站在野山中，四周都是山，天空被山遮挡，只有少许光从山缝中漏下来，观者被自然包围，无法逃脱，只能沉浸其中。画面的上下左右都是蓝与黄的交织，没有明显的天空与山的区分，因为“野山吞尽残阳”，天空已经被山吞噬，残阳不是在天上，而是在山中，被山的蓝包裹。这种构图让观者感受到自然的整体性，自然不是分割的（天空、山、植被），而是统一的，所有元素都融合在一起，包括时间（残阳）。当观者站在画前，会觉得自己被自然吞没，这不是消失，而是融入，像残阳融入野山，像自己的意识融入自然的苍茫。这种吞没不是压迫，而是包容，自然用它的无边际接纳了观者的存在，让观者成为自然的一部分。
谭延桐的这幅画，用超验的语言，讲述了一个关于自然与时间的诗。蓝是自然的永恒，黄是时间的短暂，两者的融合是自然对时间的包容，也是时间对自然的融入。笔触是时间的刻痕，线条是自然的轨迹，构图是无边际的场域，题字是精神的点化。所有元素共同构建了一个超验的自然，让观者体验到自然的吞蚀力和苍茫感，这种体验是感受到的，像风穿过山缝，像残阳沉入山怀，像自己的呼吸融入自然的节奏。
这幅画的精神内核与“天人合一”的哲学暗合，自然不是“他者”，而是“自我”的延伸；时间不是“敌人”，而是“伙伴”的循环。艺术家用超验的手法，将这种哲学转化为视觉体验。所谓超验就是回归自然的本真，回归那种没有被理性分割、没有被时间束缚的存在状态，像野山吞尽残阳，像自己融入苍茫。观者站在画前，感受到蓝的深沉、黄的温暖、笔触的粗粝、线条的流动，找到了属于自己的答案。自然是包容的，时间是循环的，自我是自然的一部分。而题字的“……”是这种体验的延续，它邀请观者继续思考，继续游走，继续在自然的苍茫中，寻找属于自己的“残阳”与“野山”。
这幅超验绘画那些散落在深绿肌理里的白色裂痕，像被世界咬去的缺口，带着刺目的清醒。它们不是空白，是本不该缺却缺的精神显影；不是装饰，是世界之痛的视觉证词。画面的每一道笔触、每一层色彩、每一处线条，都在诉说同一个命题，人们生活在正常的现状里，却忽略了本不该缺的缺失；人们习惯了无视，却成为世界之痛的共谋。“那些本不该缺坚决地就是不能缺却又十分紧缺的部分/是世界的痛，无视那些痛便是无视人类以及万物的现状”。前半句是矛盾的三重奏，本不该缺是价值的应然，信任、自然、初心这些人类与万物生存的基础，本应像空气一样存在；坚决地不能缺是存在的必然，它们不是额外的装饰，是存在的前提，没有它们，生命便失去了根基；十分紧缺是现状的实然，它们正在以惊人的速度消失，像被抽走的空气，像被挖去的记忆。后半句是精神的判决，将这种缺失定义为世界的痛，并指出无视的后果，割裂与真实现状的联系，沦为麻木的旁观者。
色彩是这场精神对话的第一语言。绿不是自然的绿，是被雨水浸泡过的旧墙的沉滞，是深夜里未被照亮的森林的压抑，是失去知觉的皮肤的冷漠。这些绿占据了画面90%以上的空间，像一层厚重的雾，包裹着观众，让观者感受到现状的压迫，它不是暴力的，而是渗透的，像空气里的灰尘，慢慢积累，慢慢让人麻木。而白色不是空白，是紧缺的部分，细长的裂痕从顶部延伸到中部，像被撕裂的伤口；不规则的斑块散落在左下角，像被挖去的记忆；细小的斑点藏在绿的肌理里，像未被察觉的缺失。这些白刺破绿的幕布，露出底下的精神漏洞，像伤口的边缘带着刺痛。色彩的对抗里藏着超验的隐喻。绿是人们习惯的正常，白是人们忽略的异常；绿是现状的麻木，白是痛的清醒。谭延桐没有用红色（通常代表痛），而是用绿与白，因为越日常的颜色，越能引发深刻的反思。当观者看着满幅的绿会突然意识到，所谓的正常生活，其实是建立在缺失之上的；盯着白色空缺会突然刺痛，那些本不该缺的东西，正在悄悄消失，而人们竟习以为常。
笔触与肌理是痛的质感，把色彩的隐喻变成可触摸的体验。谭延桐用刮刀用力刮过画布，留下深深的痕迹，像指甲划过皮肤的红印，带着刺痛；用刷子泼洒厚重的颜料，形成斑驳的斑块，像淤血堆积在伤口，带着重量；用手指揉擦颜料，让绿与白融合，形成模糊的边界，像痛的蔓延没有明确的终点。肌理的粗粝感拒绝精致，因为世界的痛不是精致的，而是粗粝的、带着血与土的温度。艺术家先涂一层深绿，干了之后刮掉部分，再涂一层靛绿，再刮掉，反复多次。每一层绿都记录着一个过去的时刻，每一道刮痕都刻着一个未被遗忘的缺失。当观者凝视这些层理会感受到痛的历史性，这不是突然发生的，而是慢慢积累的，像雨水侵蚀岩石，像岁月磨损记忆。这种层理像时间的沉积，让世界之痛有了厚度，有了重量，让观者无法轻易忽略。
线条与构图构建了缺失的无序与现状的压迫。画面中的线条是破碎的轨迹，有的像树枝分叉突然中断，有的像裂纹延伸没有终点，有的像水流截断消失在绿里。这些线条不引导视线，而是模拟缺失的状态，那些本不该缺的东西，比如连贯的关系、完整的存在被断裂了。比如中间的白色裂痕，没有起点也没有终点，因为痛是无边界的；左边的白色斑块，边缘参差不齐，像紧缺的部分的随机性，它可能是某片被砍伐的森林，可能是某个消失的物种，也可能是某段被遗忘的历史。
构图几乎填满整个画布，但白色的空缺像精神的漏洞，散布在各个角落。这种构图不是拥挤而是包围，绿的满幅像世界的现状，包围着观者，让观者无法逃脱；白色的空缺像痛的出口，引导观者去凝视那些本不该缺却缺的部分。空缺的分布没有规律，左上角的小空缺像星星，中间的大裂痕像伤口，下方的斑块像脚印。它们散落在画面的各个角落，暗示痛的普遍性，这不是某个局部的痛，而是整个世界的痛。观者站在画前会觉得自己被包围在绿的现状里，但白色的空缺像眼睛，盯着观者，让观者无法无视。这正是超验绘画的“凝视策略”，让观者成为被凝视者而不是凝视者。当观者被白色空缺盯着，会突然意识到，自己也是世界现状的一部分，观者的无视正是世界之痛的一部分。
这些视觉元素共同构建了一个超验的精神场域。谭延桐没有画具体的“痛”（比如战争、灾难），而是画“存在的缺失”，那些本应存在却消失的东西，那些本应连贯却断裂的关系，那些本应被重视却被无视的痛。它超越了具体的现实，指向人类共同的精神困境，人们如何面对本不该缺却缺的现状？如何不无视世界的痛？如何从“麻木的旁观者”变为“觉醒的参与者”？
这幅画是精神的手术刀。它剖开正常生活的幕布，露出底下的缺失与痛；它打破视觉的麻木，让观者直面本不该缺却缺的真相。当观者离开画前，带走的不是答案而是问题，关于缺失、关于痛、关于现状的问题。但这些问题不需要解答，因为解答就在观者的体验里，当看着白色空缺感受到绿的沉郁，会明白本不该缺的东西需要被看见；当触摸笔触的粗粝感受到痛的质感，会明白世界的痛不是别人的事，而是自己的事；当被白色空缺盯着感受到被凝视的压力，会明白无视痛就是无视自己。谭延桐用超验的语言完成了一次精神的召唤。他让观者体验世界之痛；让观者觉醒到本不该缺的重要性，觉醒到无视的代价，觉醒到自己与世界的联系。这是谭延桐超验绘画最珍贵的力量，他让观者学会应该如何活着。
结语
谭延桐的超验绘画系列，以其深刻的思想深度和独特的艺术价值，在当代艺术领域中独树一帜。赏析的三幅作品，体现了艺术大师对天地人的深刻洞察。谭延桐的超验绘画不仅是对艺术形式的解构与重构，更是对人文的深刻关怀。他为当代艺术提供了崭新的视角和思路，为观者带来了前所未有的震撼与启迪，若是不将拥戴和祝福捧给他，自己的良心便是缺了一块的。
走进谭延桐的艺术世界，俯拾即是的，是崭新的艺术光芒。如此光芒，或暖心，或耀眼，反正都是能够在瞬间就能够镀亮自己的。
【作者介绍】
史传统，资深媒体人、知名评论家；《香港文艺》编委、签约作家，香港文学艺术研究院研究员，香港书画院特聘艺术家。中国国际教育学院文学院客座教授，中国国际新闻杂志社评论专家委员会执行主席。学术专著《鹤的鸣叫：论周瑟瑟的诗歌》由春风文艺出版社出版。作品散见《芒种》《青年文学家》《中文学刊》《香港文艺》《河南文学》等。先后发表诗歌、散文、文艺评论2000多篇（首），累计500多万字。
