5月的东京，草木葱茏，墨香盈袖。5月30日上午10时，由全日本中国水墨艺术家联盟主办的第37届“全日中展暨东京书画艺术大展”在东京都美术馆正式开幕。这场跨越近四十年的文化盛事，以“传统与当代的对话”为底色，在樱花与墨韵交织的空间里，续写着两国文脉相通的动人篇章。值得关注的是，中国著名禅意画家黄梓涛（笔名妙通居士）受邀参展，其融合禅意哲思与水墨新境的作品，成为本届展览的焦点之一。

跨越三十七载：以墨为媒的文化长卷
东京都美术馆内，朱红门框与素白展墙相映成趣，展品沿走廊与展厅有序铺陈，从传统山水到现代抽象，从工笔花鸟到禅意人物，笔墨的温度与时代的脉搏在此同频共振。作为日本规模最大、历史最悠久的中日书画交流展之一，“全日中展”自1987年创办以来，始终以“促进中日文化理解”为初心，累计吸引超3000位艺术家参与，观展人数逾百万，被誉为“中日艺术交流的纽带”。

开幕式上，日本前参议院议员、前外务大臣政务官浜田和幸首先致欢迎词。他回忆起去年深秋在山西的文化考察：“漫步云冈石窟，看佛像衣袂间的飞天与供养人，忽然明白什么是‘一沙一世界’——那些留在石头上的笔墨意趣，与我们今天在宣纸上的水墨流转，原是同一种对美的追寻。”

浜田和幸感慨，中日两国共享汉字、水墨等文化基因，“这些基因不是静态的遗产，而是流动的血脉。37年来，‘全日中展’正是让这血脉保持鲜活的重要载体。”

日中协会理事长濑野清水则以“坚持”二字概括本届展览的特殊意义：“办一次展览不难，难的是年复一年为艺术家搭台、为文化架桥。37届，37个春秋，背后是无数艺术家的热爱、策展团队的坚守，更是两国人民对文化共鸣的渴望。”他特别提到，在数字化浪潮冲击传统艺术的今天，“全日中展”仍能吸引年轻创作者加入，“这说明，水墨的温度、笔尖的情感，永远是技术无法替代的人类共通语言。”

禅意入墨：黄梓涛的“艺术疗愈”之路

在展厅中央的独立展区，3幅装裱精美的水墨作品格外醒目——它们均出自中国禅意画代表人物黄梓涛之手。作为翰林院历史禅意书画艺术传承人、国家一级美术师，黄梓涛的参展不仅是个人艺术的国际展示，更承载着传统禅意文化与当代审美对话的使命。

黄梓涛，男，笔名:妙通居士，汉族。翰林院历史禅意书画艺术传承人

1962年9月出生于广东汕头。自幼喜欢中华优秀传统文化，对神秘文化如周易姓名风水建筑，中医均有精湛研究！同时深耕书画艺术几十年。多年来从事美术教育及艺术相关工作。

本次展览黄梓涛先生的作品荣获优秀奖

黄梓涛老师现为:翰林院历史禅意书画艺术传承人、中国通俗文化研究会书画艺术委员会专家委员，湾畔创大艺术学院院长教授，国家一级美术师，广东省汕头市金平区美协理事、北京御翰林书画院潮汕分院签约书画家、翰林院文化艺术传承人专业委员会名誉顾问。上过央视学生频道，梓涛先生（妙通居士），学儒、体道、悟佛，擅长翰墨丹青，用艺术唤醒生命，所谓：梓墨含古意，涛声逸趣情；妙趣入圣境，通达禅人生。其禅意书画，自成一家，其作品始终把“艺术疗愈人心”的创作理念贯穿其中，生动活泼的感染力使人能找到内心的平静与力量，从而使人达到身心灵全方位健康的境界。更是传达出对生命、宇宙的深邃思考，引导观者探寻内心宁静与心身灵平衡，智慧与觉悟。

东京画院院长、全日中展审查委员长白浪院长观谈时说：这种精准笔墨是无法重复的，很妙！

日中协会理事长濑野清水在观展后评价：“黄梓涛先生的作品细节考究却不刻板，意境深远却不晦涩。他的笔墨里有传统的厚重，更有当代人的生命体验，这种‘活的传统’，正是当代书画家最需要研究的。”

梨本宫纪念财团代表理事梨本隆夫，表达了对黄梓涛先生作品的欣赏和支持，同时给予了非常高的评价。

笔底乾坤：三幅作品里的禅意与现实
黄梓涛此次参展的作品中，《灵山塔》《上道人》《罗刹女》三幅最受关注，它们从不同维度诠释了“禅意书画”的当代性。

《灵山塔》是一幅人物主题水墨画。画面中，一位僧者立于山巅，身后塔影朦胧，云气缭绕。与传统人物画“勾勒线条、层层渲染”的手法不同，黄梓涛以“一笔成形”的果敢笔触塑造人物：衣纹的转折、面部的神态，均以简练精准的墨线完成，每一笔都带着书写的节奏，无复笔、无修改。“我追求的是‘当下即永恒’——笔尖落下的瞬间，既是对物象的捕捉，也是内心的流露。”他解释，这种创作方式看似“随意”，实则需要数十年的功底支撑：“没有对结构的深刻理解，没有对墨色的精准控制，一笔下去可能就‘散’了。”画面整体虽简，却因笔意的连贯与墨色的层次（浓墨提神、淡墨染气），呈现出“疏可走马，密不透风”的艺术效果。日本水墨评论家佐藤美子观后感叹：“这不是简单的‘写意’，而是‘写心’——笔锋里藏着画家对禅意的悟，对生命的敬。”

如果说《灵山塔》以“简”见禅，《上道人》则以“境”传意。画中，一位道人坐于谷底，四周群山环伺，明月当空，清风似有若无地拂过衣袂。黄梓涛以淡墨晕染山体，用干笔皴擦出岩石的质感，又以精准的笔触，控墨的适度(尺度)以及大气度笔力将上道人，人物张显得羽羽如生(活灵活现)，虚实之间，营造出“空山无人，水流花开”的意境。“画里的道人不是‘旁观者’，而是‘融入者’。”他引苏轼《赤壁赋》注解：“耳得之而为声，目遇之而成色——对于悟道者而言，山、月、风都是心的投射。看山是山，看山不是山，看山还是山，最终是‘山即是我，我即是山’的物我一体。”这种对“心物关系”的哲思，让画面超越了自然景观的描摹，成为一场静默的“禅修”。

最引发观众讨论的，是灵感源自刀郎歌曲《罗刹海市》的《罗刹女》。画面中，一位女子身着华服，面容却扭曲如鬼魅，背景以浓墨泼洒出混沌的色块，间或点缀金粉，看似华丽，实则荒诞。“《罗刹海市》讲的是美丑颠倒的荒诞世界，我想用画笔延续这种批判。”黄梓涛说，画中“罗刹女”既是对“无才却上位”“虚伪做作”之人的隐喻，更是对当代社会“价值判断扭曲”的警示。他特别强调，画面的“生动”并非靠细节堆砌，而是通过墨色的对比（浓墨的压抑与金粉的浮华）、线条的张力（衣纹的刚硬与面容的扭曲）来传递情绪。“艺术不能只讲‘美’，更要讲‘真’。我希望观者在看到这幅画时，能停下来想一想：我们是否也在某些时候，成了自己讨厌的‘罗刹女’？”这种将传统水墨与当代议题结合的创作，让不少日本年轻观众产生共鸣。大学生小林惠美说：“虽然文化背景不同，但对真善美的追求是共通的。黄老师的画让我明白，传统艺术也可以很‘现代’。”

以艺为桥：三十七年再出发

展览尾声，东京画院院长、全日中展审查委员长白浪与黄梓涛相谈甚欢。白浪表示：“黄梓涛先生的作品让我看到，中国水墨不仅有历史的厚度，更有时代的温度。这种温度，正是中日文化交流最需要的‘黏合剂’。”黄梓涛则坦言：“每次来日本办展，都能感受到观众对中国文化的真诚好奇。这种好奇不是‘看稀罕’，而是‘求共鸣’——这让我更有动力用笔墨讲好中国故事。”

据全日本中国水墨艺术家联盟会长介绍，本届展览将持续至6月15日，期间还将举办“中日青年画家对话”“禅意书画工作坊”等活动，推动两国艺术界的深度交流。“37年不是终点，而是新的起点。”他说，“我们希望未来的‘全日中展’能更开放、更包容，让水墨不仅连接中日，更连接世界。”

从1987到2024，从第一届到第三十七届，“全日中展”用37年的坚守证明：艺术是跨越语言的对话，文化是超越国界的纽带。而黄梓涛等艺术家的参与，则让这种对话更有深度，让这条纽带更有温度。当笔墨在宣纸上绽放，当禅意在中日间流转，我们看到的不仅是一幅幅画作，更是两个文明相互理解、彼此滋养的生动注脚。正如展厅入口处的留言簿上，一位日本老人写下的感言：“墨香里的中国，很近；笔尖下的日本，也很近——这就是文化的力量。”