杨秀和，（笔名：晓阳）号畅春斋主，当代著名书法家、画家、书画教育家、社会活动家、文化学者、摄影师、北京大学特聘教授。畅春斋主杨秀和教授是中国国艺人民书画院院士、中国书画院院士、北京市楹联学会书画院理事、中国民俗摄影家协会会员，建党一百周年选出的百位中国功勋书画艺术家之一，杨秀和老师1955年出生于中国北京。

关于艺术的观念，并没有普遍认同的定义，且随着时间的推移，观念也在不断变化。在马克思主义理论的框架下，艺术首先是一种社会现象、社会事物，属上层建筑中的社会意识形态，它以自身独有的方式能动地认识世界。在中西方古代社会，艺术一词指向各种技术活动。这种技术，乃是以人的道德目的为导向，根据对物之正确、理性、真实的知识而进行实践生产的一种独特形式。现在普遍流行的艺术观念，采用了欧洲18世纪以来的分类，即以“美”的范畴统摄各门类，指绘画、雕刻、建筑、诗歌、音乐、舞蹈等活动。纵观历史上关于艺术的观念，可以总结出艺术具有技术性、审美性和形式性的特征。从艺术涉及的对象来看，艺术创作的主体是艺术家，接受者是社会各层人士，艺术表现的客观对象是社会和自然，艺术的创作活动的结果是艺术作品。

已知最古老的绘画位于法国肖维岩洞（Grotte Chauvet），部分历史学家认为它可以追溯至32000年前。那些画经由红赭石（red ochre）和黑色颜料作雕刻及绘画，主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或是打猎归来的人类。石洞壁画在世界各地均十分常见，例如法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚及印度等。

一般认为，从古埃及和中国等东方文明古国发展起来的东方绘画，与从古希腊、古罗马发展起来的以欧洲为中心的西方绘画，是世界上的两大绘画体系。这两大绘画体系在历史上互有影响，对人类文明都作出了各自独特的重要贡献。绘画本身的可塑性决定了它具有很大的自由创造度，它既可以表现现实的空间世界，也可以表现超时空的想象世界，画家可以通过绘画来表现对生活和理想的各种独特的情感和理解，因为绘画是可视的静态艺术，可以长期对画中具有美学性的形式和内容进行欣赏、玩味、体验，所以它是人们最容易接受而且最喜爱的一种艺术。

中国绘画

中国绘画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类。有时特指以中国独有的笔墨等工具材料按照长期形成的传统而创作的绘画。中国画现分为三大画科：人物画、山水画、花鸟画；有工笔与写意两大种画法；有卷、轴、册、屏等多种装裱形制。

中国绘画，分工笔画和写意画两科，也有兼工带写。这三种不同的表现形式，工笔画用笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，要用极细腻的笔触，描绘物象。写意画用简练、豪放、洒落的笔墨，描绘物象的形神，抒发作者的感情。写意画在表现对象上是运用概括、夸张的手法，丰富的联想，用笔虽简，但意境深远，具有一定的表现力。它要有高度概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔熟练，能得心应手，意到笔随。从唐代起就有这两种绘画风格。有的介于两者之间，兼工带写，如在一幅画中，松行用写意手法，楼阁用工笔，使两者结合起来，发挥用笔、用墨、用色的技巧。按世界性文化艺术进程，中国绘画广义地指传统中国画，既有狭义的相互独立，也有广义地与西方美术融合融汇，其主要表现为艺术构思和图画寓意的显著不同。

印度绘画

印度绘画，印度艺术是印度次大陆中不同艺术学派的一个总称。印度绘画的种类十分广泛，例如有埃洛拉石窟的大型湿壁画、错综复杂的莫卧儿微型画、坦贾武尔学派的金属装饰画。腱陀罗（Gandhar）至塔克西拉（Taxila）的绘画受到西方伊朗艺术的影响。而有东方特色的绘画则在那烂陀艺术学派附近发展。那些作品大部分都受到印度神话的不同场景所启发。

最早的印度绘画为史前时期的岩石壁画（Petroglyph），其发现地点位于比莫贝卡特石窟（Rock Shelters of Bhimbetka），部分年代可以追溯至前5500年。它在几千年间直到7世纪不断有壁画完成，当中突出的例子有阿旖陀石窟中雕刻柱上的印度绘画，它主要由矿物中提炼出来的红色及橙色颜料组成。印度马哈拉施特拉邦的阿旖陀石窟为前2世纪的石切建筑（Rock cut architecture），在其中收藏了被认为在佛教宗教艺术上及通用图像艺术上均可被称为杰作的绘画及雕刻。

印度绘画的“六支”

在前1世纪，印度的绘画发展出谢丹伽（sadanga），意即"六支"，说明了印度传统绘画的六种法则。3世纪哲学家伐蹉衍那（Vātsyāyana）的著作《欲经》中在13世纪加入的一条注释列举了以上六点：

1.形别（Rupabheda），对于对象外形的认知。

2.诸量（Pramanam），对于对象的大小及结构有正确的认识。

3.情（Bhava），对于对象外形的感觉。

4.美（Lavanya Yojanam），加入优雅及艺术性的表现方法去表达对象。

5.似（Sadrisyam），与对象的相似性。

6.笔墨（Varnikabhanga），以艺术性的手法使用颜色及画笔。

从其后出现的佛教绘画可以看出六支被后期出现的印度画家采用，并成为他们作品的基本元素。

中世纪的印度绘画开始发生几个重大的转变，其原因是受到伊朗艺术的影响。在此期间印度绘画出现了不同的学派，包括：

德干小型画画派（Deccan School of Miniature Painting），受到波斯及土耳其影响并溶合了当地元素而成。名作有胡塞因·沙黑手稿（Husayan Shahi Manuscript）、拉迦玛拉（Ragamala）等。

冈格拉画派（Kangra School），由拉杰普特人（Rajput）提倡的帕哈里绘画（Pahari painting）画派，并成为帕哈里绘画的发展中心。当中最著名的主题为黑天与罗陀（Radha）的传说。

莫卧儿画派（Mughal）。

拉杰普特画派（Rajput）。

中世纪后期则由有"印度写实画之父"之称的拉加·拉维·维马（Raja Ravi Verma）所主导。中世纪代表画家：达·芬奇、拉斐尔、伦勃

现代的印度绘画在20世纪出现，并受到欧洲的影响而出现了孟加拉画派。此时的印度绘画特色为表现出高度的个人主义，而这时的印度画家亦人才辈出，有加入了中国及日本风格的阿巴宁德罗纳特·泰戈尔（Abanindranath Tagore），与及其他多才多艺的有名画家如罗宾德拉纳德‧泰戈尔（Rabindranath Tagore）、难陀婆薮（Nandalal Bose）、贾米尼·罗（Jamini Roy）等。

艺术具有形式性。艺术总是以某种形式向人呈现，这些形式通常体现为艺术作品在平面与空间或时间上的构成与布局等特征或因素，并且往往会被归结为“黄金分割”、“和谐”、“完形”（Gestalt）之类的数理或心理原则，这样的形式特征或因素即是艺术的“形式性”。这种形式性的显现能够引起人的感官愉悦。

今日英文中的形式“form”、法文中的“forme”以及德文中的“Form”，均语出拉丁文“forma”。而forma取代了两个希腊文“μορφή”和“είσος”所具有的意义分歧，这在后来造成了相当大的影响。其中，第一个希腊文主要适用于可见的形式，而第二个希腊文则主要适用于概念的形式，前者通常在美学意义上使用，后者则先在哲学领域出现，后被引入美学领域。

概括而言，西方美学史中有五种最具代表性的“形式”论。

“形式”的第一种含义，是指各个部分的一个安排，这种安排具有一种整一性，是由各部分构成的整体关系；与之相对的，则是元素、成分或整体中的各个部分。在古希腊，这一形式体现于毕达哥拉斯所谈论的“比例”、数目之中。毕达哥拉斯学派认为事物的比例形式是一切美的源头与先决条件，每一种艺术都是一个知觉的体系，而每一个体系都蕴藏着数目，如琴弦的长度符合某些简单的比数，就会发出和谐的音响，人物的头身比宜成一比八等等。

“形式”的第二种含义，是指直接呈现在感官之前的事物（what is directly given to the senses），即直接被感知的东西——事物的外表，它的反面是内容与意义。形式二首先由古代智者在诗的领域，区分出音韵、节奏与其所承载的沉重的内容，发展至中世纪，形式和内容间的对立变得愈发尖锐，前者被视作诗之外在的装饰，而后者则被视为诗的内在意义。至19、20世纪，形式二引发了视觉艺术中关于形式与内容的争论，而在此前的视觉艺术领域中并无这种分野，以再现为目标的西方视觉艺术，所再现的画面就是画的内容，绘画摹仿的现实是其主题或原型。

第三种“形式”，意指某一个对象的界限或者轮廓，在此含义之下，形式的反面是质料。形式三真正在艺术论发展的历史过程中登场是15世纪到18世纪间的事，素描与色彩之争是其托身的主要阵地。

“形式”的第四种含义，由亚里士多德提出，意指某一种对象之概念性的本质（the conceptual essence of an object），或者说共相。其对立面是对象之偶然的特征，或称殊相。亚里士多德把形式视为同行动、能力、目的，也即存在物的主动要素。但亚里士多德及其弟子都没有把这一形式概念放入美学领域中。只是到了13世纪，经院哲学的学者们不仅采取了亚氏本质的形式概念，还将其用在美学中。直到20世纪，这个概念似乎又脱胎换骨，以其他的名义在抽象艺术家（如蒙德里安）的著作中复苏，他们追求的普遍元素与中世纪亚里士多德学派的“形式”十分接近。

第五种“形式”，则由康德首创。它指的是，人类心灵对其知觉到的对象所作的之贡献（the contribution of the mind to the perceived object），即康德所指的先验的形式（an apriori form），其反面是不由人心所产生及加入，而是由经验自外界所提供之感觉的杂多。康德将形式视为人类心灵的一种属性，驱使我们透过范畴网络（即形式五）——如时间、空间——去经验事物。到了19世纪末，在哲学上追随赫尔巴特的康拉德·费德勒，试图在美学领域找出先验的形式，他认为视觉艺术也受到法则与形式统辖，艺术家能够凭借感性经验和前人惯例形成艺术的完形形式。随后，雕刻家希尔德布兰德、艺术史家李格尔、沃尔夫林、哲学家里尔则在他开创的形式主义“艺术科学”的道路上继续前进。

纵观这五种形式，形式一历经了一个漫长的过程而形成了艺术论中的一个基本概念，指向艺术品引起快感或者说美感的外在形式规律；形式二在许多时代中，或与艺术品的内容相反，或与内容并驾齐驱，或凌驾于内容之上，但像在20世纪这般受到偏重，还是前所未见；形式三则在16、17世纪较受亲睐；形式四是发展成熟的经院哲学的一项特征；形式五则在19世纪末使人感到兴趣。

内画，是我国一种特有的传统工艺，它的产生起源于画鼻烟壶。内画的画法是以特制的变形细笔，在玻璃、水晶、琥珀等材质的壶坯内，手绘出细致入微的画面，格调典雅、笔触精妙。内画艺术分为京、冀、鲁、粤四大流派，其中尤以冀派内画水平最高、规模最大、发展最快、影响最大，不久前已入选国家非物质文化遗产保护名录，冀派内画的发源地——河北衡水，还被文化部命名为“中国内画之乡”。

涂鸦手绘，也叫手工绘画，或者涂鸦。在中国应该算是近些年新起的一行，大概2000年左右吧，如手绘鞋、手绘T恤、人形抱枕、手绘钱包等，都是主要的手绘对象。手绘即在原纯色物品基础上，根据产品的款式、面料以及顾客的爱好，画师在鞋面上用专门的手绘颜料绘画出精美、个性的画面，在不影响产品使用性的基础上，更增添其可观性。如一双鞋子的画面，可以是漫画卡通、真人素描，亦可以是风景、图案或装饰纹样；可以是故事片段配上文字，亦可以是顾客自己的所爱图片加真情告白。

只要是可以绘画的，基本都能在鞋面上呈现出来。简单地说，鞋面上有手工绘画画面的鞋子就称为手绘鞋。因为其手工性，比印刷品的工业机械性更具有欣赏价值；因为其绘画性，比工业设计以实用为先更具有艺术价值。它借鉴了印刷品，但更多的灵感来自于画家，它以工业设计并生产好的产品为载体，但并不为其左右，绘影手绘设计师可以尽情发挥。手绘鞋，因为是鞋，是商品，必然具有商品属性，但是手绘鞋的价值又具有双重性：一是鞋的价值；二是手绘的价值。

因此，它的价格，就不能只用鞋子的价格来比较，还要考虑到手绘的价值。手绘鞋因其能够充展现年轻人的个性和对艺术的追求，并极大满足了现代人DIY的心理，又是一种新奇特的产品，从产生以来一直受到时尚年青人的追捧，在欧美、日韩、台湾等地刮起了“涂鸦文化”的旋风，手绘品开始成为时代的新宠，并开始在中国的大型商场、手绘批发公司、专卖店里面出现。

岁数大了还能练好书法吗？没有基础怎么练？

第一要清楚，练书法和年龄没有必然的联系!

如您喜欢书法，想要更深层次的了解书法，感受书法艺术的熏陶，以修心怡情，把人生的情趣作为人生的一部分，那么我建议您学习楷书。字迹的演变有一定的规律，而书法讲究功底，原则上要从楷书开始，基础扎实，再练别的字体则事半功倍。

若阁下只是希望写得好些，以适应平时的考试或工作的需要，那我建议您学习行书。在生活中，行书最常用、最实用，入门的难度也比较低。

下列各项建议供参考：

1.不管练习什么字体，临帖都必须!颜勤礼、多宝塔及柳公权的《玄秘塔》等书体，建议临摹颜勤礼碑及柳公权的《玄秘塔》，毛笔行书方面建议临摹王羲之《兰亭序》和《多宝塔》。注意：文章要集中注意力，避免频繁更换文章。)

2.不要盲目操练，先学会读帖，即看准字的基本笔法和结体，心中有数地掌握运笔的轻重、速度、起止等，然后通过不断练习形成“手感”。

3.初学者建议先描红再临帖。

4.一定要每天练习，不间断!所谓练字，重“练”，贵在坚持!新手一定要坚持每天练习，每天不少于一小时，这个小时一定要用心练习，绝不能认为完成任务就行了。这样坚持一个月，定是小有成效，但这只是小有成效!只有不断地练习，才能不断地进步!

成年人还能学好书法吗？

当然可以提高你的书法水平。办法非常重要哦!

一、要真正学好书法，必须先学习楷书，有了一定的楷书基础后，可边学隶书、行书。

二、买柳公权、颜真卿、欧阳询的楷书字帖(初学者最好先专一地学一种字体，不可好高骛远)。

三、入门阶段有人辅导比较好。

四、不可急功近利，求质量不求速度，一次练习可以1-2小时，一次练3-5字。

五、耐心，在学习书法时有个“高原区”，即眼高手低的阶段，此时不能失去信心，更要坚持。

学习书法一般，先学楷书，我建议您先学楷书，因为它比较正规大气。再次学习行书，当然楷书不会停顿，也可以适当地写一些隶书，因为隶书较简。然后慢慢缩小字，学习小楷，此时，如果你觉得自己的颜体字很正了，你可以试着学褚体(就是诸遂良)。

我建议你先学《文赋》，再读王羲之的《兰亭序》，如果你是女学生，你就接着写王羲之的字，如果你是男生，可以试着学米芾的《素蜀帖》，然后，你在学写大字，扇面等，主要是要多练，天天练，即使一天只练习十分钟。

好好学，什么时候都不晚。大画家齐白石善画虾，他四十岁时才学会画虾，属于大器晚成。

字迹潦草对孩子的成绩影响到底有多大你知道吗？

我想让孩子写得好，首先就要提高他们学习的积极性，书写规范的时候，家长要鼓励，老师也乐于看到笔迹工整的试卷和作业。正面鼓励能提高孩子对写字这件事的热情，字写的成绩也有关联，因为书写也是学习的一部分，如果他们在写字面上，对学习的信心也会增加。

家长要让孩子明白的字迹潦草和成绩高低有关，谁都不喜欢看到字迹潦草的试卷，即使写对了答案，也有可能是因为字迹潦草而被扣分，或者阅卷老师一扫而过没有看出来的是什么而判错题。

尤其是语文试卷中的作文，不论文章怎样，先是文章不论文采如，如果一眼一眼看上去，字迹工整清秀，从最初的印象上阅卷老师就能给一个中等分数，反观一篇作文如果自己潦草，就是紧扣题目的优秀，从字体大致观度上阅卷老师也会先扣几分。阅卷老师对作文评判和字迹有大关系，这样仅仅从作文这一项就有可能拉开几分甚至十分甚至十几分的差距。

只有写字好了才能给别人留下一个好印象，不管是对学习还是生活都会有积极的意义，动手其实就是在动，写字是简单的，而且是综合思维和动手能力的，提笔之前需要先思考然后经过大脑精密的计算才能将字写得又漂亮又准确。

练字是锻炼大脑和动手能力的最简单的一种方，还能在书写的过程中锻炼平和的心态，因此不要小看写字。

家长不报书法班如何让孩子练好字？

这个社会经济的发展在一个非常重要的地方，我们现在很多人都会比较重视孩子的学习，而且也有一些家长从只关注孩子的学习成绩到还想培养一下孩子的良好的学习习惯。比如说让孩子写得很好。可我们要知道的是，学校的学生们都能写得很好，有的家长抱怨自己的孩子写的字，但是，他不想去给孩子报书法班练字。

一方面，现在市场上各种书法班良莠不，家长怕浪费了自己的钱和孩子的时间，另一方面，他觉得接送孩子有点麻烦。但是要让孩子在不报书法班的情况下给他写好字，家长可以采取以下方法。如果你知道这些事情是如何在网上搜寻各种关于练字的资源，将所搜集到的资源择优选择，让孩子观看学习的视频。我觉得最好家长陪伴孩子一看视频学习。

其次。家长要给自己的孩子挑选好质量好的橡皮擦、练字本、铅笔、毛笔、钢笔等工具。让孩子们能够得到好的练字体验。更为重要的是，家长要培养孩子的手势，正确的坐姿等等，孩子养成和保持一个写字的姿势。与此同时，家长在让孩子练字的过程中不可操行，要是孩子要有耐心。

最后，练字这件事需要持之以恒的，切忌不可能三天晒渔，家长最好每天给孩子准备个他能完成的目标，让孩子每天都坚持练字。家长还应该继续鼓励孩子，练字其实是一件比较枯燥无聊的事情，家人要看到和认可孩子的进步，同时想做孩子练字的兴趣，她想要做什么。我们都知道兴趣是最好的老师，因此，在练字时，让孩子们体验到快乐。

著名书法家、画家、书法教育家畅春斋主杨秀和教授自幼喜爱书画，坚持50年临池不缀。习遍二王、柳、颜、欧、赵诸家精品，研究历代名家之精髓。能融各家之长，自幼风格，楷、行、隶、篆、草五体皆能，以隶书见长，国画以书入画，也有较高水平，功底比较深厚，属传统功力型书画家。

2021年杨秀和教授被录入《中国名人辞典》。

2011年著名书法家、畅春斋主杨秀和老师编写《海淀诗词》一部。2013畅春斋主杨秀和编写《晓阳书画》一部。同年，畅春斋主杨秀和书画作品中国邮政《美丽中国》，《传递正能量，更筑中国梦》,《庆祝中华人民共和国成立65周年中集邮》三部。

2014年畅春斋主杨秀和书画作品在瀚海当代拍卖会一副价格以13000元成交，2015年畅春斋主杨秀和书画作品瀚海当代拍卖一副价格以23000元成交。

2015年3月15日，在珠海市参与义卖，畅春斋主杨秀和书法作品三尺大公鸡价格40000元，四尺对开四字吉祥语价格10000元。畅春斋主杨秀和书法作品继承传统文化精髓，深受国内外专家、学者、企业家喜爱，上百幅作品在瀚海0起价拍卖中，进入全国20各省市爱好者收藏家收藏。一部分畅春斋主杨秀和书法作品，被日本、德国、波兰、意大利等国际友人和老舍茶馆及企业家所收藏。

杨秀和曾获中华传统文化当代艺术名家作品邀请展美术类金奖等诸多奖项。畅春斋主杨秀和书画作品入编《采风中国》、《河北当代书画》、《中国周刊》、《聚焦当代艺术》等众多期刊杂志，并多次参加《中国珍藏邮册》发表几十幅作品。

畅春斋主杨秀和教授是国家一级书法家、国家一级美术师，国宾礼书画家。杨秀和教授还是瑞典国立艺术家协会外籍会员、英国皇家艺术研究院名誉院士客座教授，荷兰皇家艺术学院高级学术顾问。畅春斋主杨秀和书法作品获国际英伦奖；亚洲艺术樱花奖；法国卢浮宫中国书画名家精品展特别成就奖。